Cahier des paroles

Yo SÍ leo: 2 de junio

2010-05-24T12:13:00.001-07:00

Boletín de prensa. Mayo 2010.

El próximo miércoles 2 de junio, durante todo un día, en una invasión conjunta y sin precedentes TOMAREMOS el facebook para promover la lectura. El lema de la campaña Yo sí leo: 2 de junio.

Ese día todos haremos “viajar” por el facebook una única imagen Yo SÍ leo: 2 de junio que se te enviará días antes a tu dirección de correo electrónico o podrás acceder a ella a través de todos los sitios participantes. El 2 de junio copia la imagen y súbela a tu facebook. Paralelamente se realizará un foro de debate en el facebook de La Sociedad de los Lectores Justos y el CANALYOSILEO en YouTube tendrá videos que podrás enlazar a tus espacios virtuales, creados por nosotros y por las participantes que se unan.

Ésta es una campaña sin logos ni marcas, sin partidos políticos, es una acción CIUDADANA con el objetivo único de promover la lectura. Es la acción de todas las personas que estamos detrás de un espacio virtual en facebook que promueve la lectura. Con muchos granos de arena haremos una playa. Dile SÍ a la campaña Yo SÍ leo: 2 de junio. Corre la voz. Los lectores, editores, editoriales, escritores y bibliotecas que quieran sumarse están cordialmente invitados.

¿CÓMO participar en los PRELIMINARES de la campaña?

1) Date de alta.
Los organizadores estamos elaborando una base de datos de todos los participantes para saber quiénes somos y en qué lugares (ciudades, países) nos localizamos. Si tienes una página activa de facebook (perfil o página de fans) que promueva la lectura deja el enlace a tu sitio en el muro del facebook de La Sociedad de los Lectores Justos o en el de Territorio liberado, indicándonos que confirmas tu participación en la campaña Yo SÍ leo: 2 de junio. Otra opción para darte de alta: envía tus datos y enlaces de los sitios con los que participarás en la campaña al correo electrónico lasociedaddeloslectoresjustos@gmail.com o a territorioliberadomx@gmail.com. Especifica el nombre de la persona que administra el perfil o las páginas de fans. También puedes dejar tu comentario en el evento en facebook “2 de junio: promotores de la lectura TOMAREMOS facebook”. Tus datos serán confidenciales y sólo se utilizarán para la campaña.

2) Hazte un video con tu celular y súbelo a YouTube con la etiqueta Yo SÍ leo: 2 de junio.
Empieza el video diciendo el lema: Yo SÍ leo: 2 de junio. Cuenta en el video por qué quieres participar. Máximo de un minuto de duración. Súbelo a tu propio canal de YouTube y avísanos (mándanos el enlace) para enlazarlo a nuestra lista de reproducción en el CANALYOSILEO. También puedes subirlo al muro de La Sociedad de los Lectores Justos. Recuerda: en las etiquetas del video escribe Yo SÍ leo: 2 de junio. Si lo requieres, puedes enviarnos el video por mail y lo subiremos nosotros al CANALYOSILEO en YouTube.

3) Ayúdanos en la difusión del evento y de este boletín.
Tu ayuda es importante. Invita a tus amigos (usa la opción compartir) desde el evento creado en La Sociedad de los Lectores Justos. Envía este boletín por correo electrónico a tu lista de contactos. Súbelo a todas las redes sociales que tienes, a tu blog. Importante: para promocionar la campaña en twitter usa la etiqueta #yosileo.

ENLACES

-Evento 2 de junio: promotores de la lectura TOMAREMOS facebook (Comparte este evento)
http://www.facebook.com/event.php?eid=125421664139918
-YouTube.- CANALYOSILEO (Suscríbete y hazte amigo del canal)
http://www.youtube.com/user/canalyosileo
-La Sociedad de los Lectores Justos (Hazte fan)
http://www.facebook.com/LaSociedaddelosLectoresJustos
-Twitter La Sociedad de los Lectores Justos y Editorial Jus. @EditorialJus
http://twitter.com/EditorialJus
-Twitter Territorio liberado, @librecrea
http://twitter.com/librecrea

Atentamente,
Los organizadores

La Sociedad de los Lectores Justos
lasociedaddeloslectoresjustos@gmail.com
Territorio liberado
territorioliberadomx@gmail.com

Yo SÍ leo: 2 de junio

Nosotros, amigos

2009-04-06T22:31:00.000-07:00

Abro los ojos y me encuentro con algunas razones para creer aún en el hombre. No todo es mentira... Ellos contruyen el hilo conductor de gran parte de mi fe.

Versus Citrus

2009-02-08T18:02:00.000-08:00

El citrus se lleva consigo lo que me estorba en la garganta. Y es entonces que sé que puedo dejar el alma salir, ser libre. Y vivir.

Presentación Dulce y Útil

2009-01-22T09:09:00.000-08:00

Edgar Allan Poe, Corazón Delator

2009-01-19T19:35:00.000-08:00

200 años de Poe son suficientes, como ya se ha visto, para recordarlo en publicaciones y eventos celebrándolo como el maestro del cuento breve y de terror. Con una vida complicada iluminada por la oscuridad que sólo en Poe podría despertar esa creatividad que a todos nos ha llenado de angustia o intriga alguna vez, nos enfrentamos ante uno de los autores de culto más importantes en la historia de la literatura.
Es esta una adaptación cinematográfica de "El corazón delator" (The Tell-Tale Heart, dirigida por Ted Parmelee, y con la voz de James Mason. Esperamos que disfruten:

Un tu calor al calor de un cafecito

2009-01-03T09:48:00.000-08:00

Ars Moriendi: oliviera de crímenes ejemplares

2008-11-27T22:03:00.000-08:00

El día de ayer se hizo la presentación oficial del Ars Moriendi que Raymundo Ramos hizo en honor a la única certera herencia de todos los hombres: la muerte. Tuve entonces el honor de hacer una modesta presentación (que dificilmente se pudiera más) junto con un muy buen amigo, Erasmo López, y dos jóvenes estudiantes de la carrera de Lengua y Literatura Hispánias de la FES Acatlán, que además de inteligentes, me parecen amables.

Comparto mi presentación, aunque notarán alguna cuasirepetición de algunas líneas en en este mismo blog.

Presentación Ars Moriendi, 27.11.008

“Ayer desperté en el sueño de otra mujer y el espacio era para una sola mente… Alguien tenía que desaparecer, pero una crea a la otra y… ustedes saben. Fue entonces cuando decidí deshacernos de aquel sueño para encontrarnos ahora en este, construido entre nosotros y ustedes…”

El perfil no agotado del crimen perfecto se nos impone al menos una vez al día, cuando nos sentimos impotentes ante una situación que no depende de nosotros y que, sin embargo nos afecta directamente; y aunque es difícil que logremos aterrizarlo –el crimen- a una realidad (esa de la que tanto se habla y puede llegar a parecernos cotidiana), hay quien se dedica a elevarlo a la otra (esa, a veces confundida con la imaginación) en la que todo se puede, e incluso, se debe. Ars Moriendi (o arte de morir) da vida a todas esas muertes que se han visto truncadas por alguna fuerza humana o sobrenatural, y en general a todas las que podrían haber sucedido cuando el sujeto actor tiene una falsa impresión sobre alguien, o exagera de alguna manera la naturaleza ridícula de las personas.
Se trata del protocolo perfecto para morir bien, es decir, por una suficiente y buena razón que difícilmente puede narrarse de otra forma que no sea con la minificción, viudita de corazón como le llama Raymundo Ramos, la más pequeña de todas, cuya estructura hace referencia al tema central de toda la olivera, ya que este buen motivo para matar a alguien, lo adquirimos de manera inmediata ante cualquier mínimo estímulo, como en el siguiente caso:
Nos encontramos después de 20 años y fuimos a beber de puro gusto tragos en la Giralda. Que si la prepa, que si el equipo de básquetbol, que si los concursos de oratoria. Añoranzas y vodkas.
¿Te acuerdas de la Cecilia?, sí hombre, aquella que le decíamos la Chichila, por las tetas monumentales (ji−ji−ji, se reía en ji).
¡Acuérdate!, la Madre Universal, porque amamantó a todo el grupo de Sociales. No hubo uno solo de nuestra generación al que no le diera el pecho. Algunos alcanzamos hasta pecho y espalda. No pude más, le hundí las suturas craneanas hasta las telarañas de las meninges con la botella de Oso Negro. No es que no fuera cierto lo que decía, pero bien pudo preguntar primero con quién me había casado.
Es evidente que cuando nos encontramos con una narración ejemplar como ésta, nos sentimos identificados y pensamos -¡Pues claro!-Y no es que nos haya pasado exactamente esto a nosotros, sino que sentimos que lo vivimos justo en el momento en que tenemos la experiencia en el contacto directo con el discurso.
Es esta irremediable imposición común a todos –o al menos a casi todos-, quizás el pretexto que Raymundo Ramos haya utilizado para cometer constantemente, al menos un crimen por ocasión meritoria; y la que, al final de cuentas, habría de reunir todos ellos en un librito que después dejaría en las terribles manos de una editora primeriza. ¿Coincidencia o mero espíritu suicida?
El autor conocía ya a la editora por el encuentro que maestro y alumno tienen en algunas cátedras y seminarios; el trato se extendió por la colaboración tras bambalinas en algunas publicaciones, coincidiendo poco a poco con lo que se convirtió en una buena amistad.
Así fue como comenzó la edición de Ars Moriendi, y de la serie de microrrelatos sobre la muerte que éste contiene, algunos ya escritos e incluso publicados, otros sólo manuscritos, otros apenas pensados, pero todos, con certeza, vividos en tanto que se leen y provocan cierto recuerdo; porque ni siquiera Nadie se exime de haber cometido alguno de estos crímenes, así tenga o no conocimiento de ello.
Ciertos textos que ya estaban publicados se obtuvieron de diarios mexicanos, de Alta infidelidad y los espejos cóncavos y de Simulacros y la mirada sesgada; sería ahora pertinente que fuera el lector quien reconociera cuáles son exactamente dichos textos; aunque no hacerlo, se convierte en una buena razón para que éstos se vivan “como si fuera la primera vez”, sin ninguna distracción editorial.
Con estos recursos, además de la incontenible necesidad creadora de Ramos, la selección inicial de textos resultó ser algo extensa, de manera que fue precisa una depuración en la que se consideraran ciertos parámetros para la organización final que constaría de seis apartados convertidos en siete: “Summa artis”,(la muerte del arte propio y ajeno) “Incendio amoris” (la muerte del amor no perfecto), “El jardín de Academus” (la muerte del intelecto), “Muerte sin Film” (la muerte de los efectos especiales), “Nosferatu y Cía” (la muerte de lo sobrenatural), “La aflicción de Grecia” (la muerte de los clásicos), y todos aquellos crímenes ejemplares, como los llamó Max Aub, que, o bien no encajaban en ninguna de las anteriores, o lo hacían en más de una; éstos los encontramos en “Sin clasificar”. A estos apartados se les asignó una imagen que los distinguiera entre sí (de Vanucchinni, Posada, Topor y Orozco) para la apertura y cierre a cada uno de ellos; incluyendo, para la portada de la obra, un dibujo que el propio autor hizo a partir de una pintura de Van Gogh.
Ya con la serie final de los microrrelatos y sus respectivas ilustraciones, fue necesario que se decidiera el formato del libro, que debía ajustarse a las necesidades, por un lado de la obra; y por otro, del lector, reinventor de la misma, quedando a media carta y con una letra mediana (además de un acertado espacio en blanco al final del texto impreso, dirigido al lector para que él mismo sea parte de la obra de una manera más evidente: escribiendo también en ella).
Sin embargo, formado el libro, no se dejaba concluir gracias a las revisiones que se seguían haciendo (los añadidos, las dudas y los eliminados) y a la serie de omisiones cometidas (tanto por la editora y su autor, como por el autor y su editora), en ese lapso de tiempo (a veces aminorado por quien esto escribe, a veces exagerado por quien nuestro libro escribió) hasta que se tomó la sana decisión de ponerle fin al proceso editorial. Así fue.
Aquel proceso terminó, pero no podemos evitar que, teniendo un ejemplar del Ars Moriendi impreso, se reconozcan los detalles a ser atendidos para mejorar la labor y la presencia de la obra final como motivo y hecho concluido; ya que, de otra manera podría ser no sólo aquél tipógrafo quien muera de una mala impresión… Sin embargo, no cabe queja alguna del resultado final, más que el mero aprendizaje de una grata experiencia con un gran escritor y amigo, a quien admiro, aprecio y respeto (aunque a veces él se asegure de dudarlo).
Sí, es cierto que el proceso aquél terminó, pero comienzan por un lado, el que necesariamente tiene que vivir toda obra que sale a la luz pública, cuando ya tiene vida y voz propia; y por otro, el que aparece tomando al Ars Moriendi como parte del pretexto para su existencia: Editores Gioconda o Gioconda Editores, como ustedes mejor lo prefieran; y no es que no importe el nombre, sino que es más importante lo que bajo el sello se está y se espera seguir haciendo.
Ars Moriendi ha despertado del sueño en que había despertado aquella vez, y no del romántico, en que se creaba y recreaba a sí mismo. Ahora está frente a nosotros, con afanes de hacernos y deshacernos en una mutua complicidad que presumiblemente no termina.

2008-10-26T18:46:00.000-07:00

A falta de otro atardecer, las memorias reconstruyen una visión infinita.

La invención de Morel o El año pasado en Marienbad

2008-10-19T00:53:00.000-07:00

“Creo que perdemos la inmortalidad porque la resistencia a la muerte no ha evolucionado; sus perfeccionamientos insisten en la primera idea, rudimentaria: retener vivo todo el cuerpo. Sólo habría que buscar la conservación de lo que interesa a la conciencia”
A.Bioy Casares, La invención de Morel

Platón reconocía un valor superior en la memoria que en la escritura y por lo tanto habría que practicarla más; sin embargo, desde el origen del hombre nos hemos valido de ciertos recursos para suplir a la memoria cuando ésta nos falla, la creemos prescindible o simplemente nos olvidamos de ella (quizás más bien se trate de una holgazanería nemónica). Primero, la pintura (y de ésta, la fotografía), después la escritura (que, como ya dijimos Platón “repudiaba”), la grabación de sonidos y, finalmente, la conjunción de todos estos recursos: el cinematógrafo.
De esta manera, nos ha sido relativamente sencillo preservar todo lo imaginable e inimaginable: desde aquellos poemas épicos que en principio se iban cantando y debían su existencia solamente a la memoria de quienes los recitaban, hasta el producto de la imaginación de aquellos capaces de predecir el futuro desde una ficción que siempre se cumplirá en su realidad intrínseca (independientemente de la externa).
La invención de Morel (1940) o El año pasado en Marienbad (1960)son dos ejemplos del último caso: una ficción que no es ficción. Quizás una obra halla inspirado a la otra, o la otra inventó a la una – Bioy Casares, después de haber visto La caja de Pandora (Die Büchse der Pandora, 1930) quedó impresionado por la actriz Louise Brooks y escribió La invención de Morel. Alain Resnais quedó impresionado por la novelita del escritor argentino y dirigió El año pasado en Marienbad* (cuyo nombre ya nos remite a la misma obra literaria)-, el hecho es que ambas buscan referirse al problema de la retención de la memoria a través de sus propios medios y, sin embargo, cada una es independiente de la otra, lo cual nos hace poder ver la película sin tener que caer en el vicio de criticarla a partir de lo que ya leímos antes.

Morel dirigió la parte de su labor hacia la retención de las imágenes que se forman en los espejos: el espejo frente a un espejo genera la repetición infinita-eterna- de la misma imagen; y así, su invención tiene la misma función que la de la fotografía, la de la grabación auditiva o cinematográfica: mantener eternamente vivos los recuerdos o las historias, en ello radica la inmortalidad. El hombre, en el recuerdo no sabe que es parte de él y que, por lo tanto, es infinito mientras dure; el problema surge cuando, dentro del recuerdo, se da cuenta de su realidad repetitiva en la memoria o de que, siendo todo lo demás una repetición es él el único que no lo es. Esta sensación debe ser muy semejante a la que se tiene cuando soñamos y en el sueño nos damos cuenta de que no estamos despiertos. En ambos casos, si en la memoria o en el sueño nos percatamos de nuestra inmortalidad y, al mismo tiempo, mortalidad, seremos entes extraños, como lo es el “loco” frente al “lúcido”, o el que padece de la pérdida de la memoria a corto plazo.
En la novela hay un momento en que el lector se pregunta: ¿Quién es el recuerdo verdaderamente: las apariciones que no lo ven a nuestro personaje, o más bien éste forma parte de algún recuerdo ya muerto, el espectro de la memoria?; y luego ¿quién es “nuestro personaje”?, ¿es que acaso tiene nombre como casi todos los demás en la misma novela?

El año pasado tampoco nos hace énfasis en el nombre de los personajes; si acaso nombra incidentalmente el del hombre. La trama juega con la espaciotemporalidad saltando de un lugar y tiempo a otro mezclándolos unos con otros (de manera similar a como lo hace Bioy Casares pero esta vez llevado a la pantalla); este es el recurso del que Resnais se vale para hacernos entender que todas (o la mayoría) de las escenas son los recuerdos que el hombre va induciendo a la mujer y que, a su vez, ella en su mente los reproduce sin saber que sucedieron pues parece como si hubiera perdido la memoria viviendo en un eterno dejá vù desconocido. Los papeles se invierten: mientras él ha pedido a ella todo ese tiempo que recuerde que hace un año se encontraron en Marienbad y ella lo ha negado, sin embargo reproduciendo en su mente lo que él le dicta, hay un momento en que decide cambiar el recuerdo que le es inducido, y él se da cuenta de ello. En este momento se genera una ruptura en la coherencia del texto (caos que en su contexto es orden) que nos hace perder el control sobre la película: ya no sabemos qué se recuerda y qué se vive; al final parece que se cumplen lo que supuestamente se habían prometido hace un año y, sin embargo, como espectadores no podemos estar seguros de ello.
Una posible similitud entre el texto literario y el cinematográfico es que ambos personajes principales buscan convencer a una mujer de algo: en la primera, el náufrago busca convencerla de su propia existencia (en lo que falla pues no existen en la misma dimensión); mientras que en la película, el personaje busca convencer a la mujer de la existencia de un pasado y del recuerdo de él mismo (a través de la memoria). Sin embargo, ambas mujeres se resisten a ello: en el libro ella ignora completamente al náufrago, y en la película, niega haber vivido o prometido nada al hombre, aunque al final parece que termina yéndose con él. En ambos casos el hombre quiere raptar o huir con la mujer pero hay un obstáculo entre los dos, la falta o exceso de la memoria:

Recuerda...
los jardines de Frederiksbad.
Estabas sola, apartada...
inclinada sobre una balaustrada de piedra...
sobre la que posabas tus manos,
con los brazos un poco extendidos.
Estabas mirando hacia el paseo.
Yo me acerqué a ti.
Pero me detuve cerca y te miré.
Entonces te volviste hacia mí.
Aunque parecía como si no me vieras.
Yo te miré, y no hiciste nada.
"Pareces tan viva", te dije.
Tú sonreíste.
El año pasado en Marienbad

Mientras en La invención de Morel, Faustine también parecía tan viva, que él la confundió con real esperando que ella reaccionase ante su presencia y sin embargo, “Nada anunció que [le] hubiera visto. Ni un parpadeo, ni un leve sobresalto […] la mirada prescindía de [él], como si[…] fuera invisible.”
Es este vaivén, la duda sobre lo real y lo ficticio, lo que nos hace partícipes en ambas obras no sólo en su observación o libre interpretación sino en la construcción de las mismas; entramos en ellas sin poder hacer nada por modificarlas y nos quedamos siempre pensando en qué pieza del rompecabezas no ha terminado de encajar bien. Este vaivén es el que también da cierto carácter barroco a la obra, en el caso de Resnais es incluso evidente en la escenografía que el mismo personaje califica como baroque.
En medio del vaivén, se busca inmortalizar a los hombres a través de sus recuerdos, que a su vez se resguardan en los filmes y eso es algo que tratan de afirmar ambas obras (en la película no se hace referencia a algún aparato en especial pero es evidente que la función de la obra es hablar sobre su propio código y contacto); pero uno de los personajes principales (el de La invención de Morel) es un ser solitario y por ello no puede fijar visiones como lo hace Morel (o Wilhelm Pabst o Alain Resnais) con el aparato que atrapa a sus amigos y compañeros en escenas cotidianas, este hombre (como el propio Bioy Casares) tiene otro medio, igualmente eficaz, para retener almas y hacerlas inmortales –como ha hecho hasta ahora con Morel y su gente, pues nosotros no tenemos ese aparato grabador y reproductor del que nos habla- y este medio es en el que realizó su diario: la escritura. Así, si la máquina de Morel se descompusiese, nuestro personaje las salvaría con el “informe”.
Yo, quizás admirada por ambas obras, me he quedado con la irremediable necesidad de darles otra preservación, esta vez, cibernética; aunque, como nos dice Bioy Casares, el inventor puede ser burlado por su invento, de manera que debemos ser cuidadosos con la fe que tenemos a nuestras máquinas: la de Morel (el filme) puede destruirse y así, las imágenes y sensaciones y, por lo tanto, el recuerdo mismo. El informe escrito, corre el mismo peligro: humedecerse o mojarse por completo y convertirse en una pulpa ilegible. Mi escrito cibernético puede hundirse en este mar cuyos dominios no son ya del todo humanos. Cabe entonces plantearnos la pregunta: ¿Debemos reconiderar a Platón y su afán por educar a la memoria?...

* Alain Resnais ya había hecho evidente su interés por la literatura y por la importancia en la conservación de la memoria a través de los libros y de los filmes, por ejemplo, en su cortometraje sobre la Biblioteca de París, y en Hiroshima, mon amour, escrita por Margueritte Duras y cuyo fin inicial era funcionar como obra literaria independiente de la cinematográfica y como una obra cinematográfica, dependiente en muchos sentidos de la literaria (los diálogos y el discurso son exactamente los mismos, en realidad no hay adaptación sino realización cinematográfica)

Medio siglo de bossa

2008-10-03T17:36:00.000-07:00

Fusión relajada y armoniosa de la samba brasileña y el jazz norteamericano, este año se cumplen cincuenta años de la aparición de la bossa nova.
Voz, ritmo o camino nuevo, el término ya se avecinaba antes de surgir como tal en aquella samba de Noel Rosa, Coisas nosas que dice: O samba, a prontidao e outras bossas/ Sao coisas nossas, sao coisas nossas; en donde el sentido de bossa estaba más bien orientado al estilo (nuevo) y que ya era de uso colectivo.
Quizás una de las canciones más conocidas y reproducidas en todo el mundo (con sus traducciones al inglés, español o versiones bilingües)sea Garota de Ipanema de Antonio Carlos Jobim, Samba de Verao o Manha de Carnaval. Sin embargo el inicio de este género -aunque muchos no lo reconozcan como tal- se da en agosto de 1958 con la aparición de Chega de Saudade, de Tom Jobim y Vinicius de Moraes con la interpretación de Joao Gilberto (en abril de ese mismo año, Elisete Cardoso ya había hecho su interpretación con la guitarra de Gilberto pero no fue suficiente como para darle el lugar que hoy ocupa la bossa nova en la historia de la música).

Sin conocimiento musical, reconozco el valor de este género porque he conseguido disfrutarlo en compañía o cheia de saudade; sobre sus instrumentos puedo decir que la guitarra es base (puede ser el único o estar acompañado de otros más como su pariente, el cavaquinho, el piano o algunas percusiones, pero nunca será prescindible). Lo que deja este género, además de la posibilidad de reconocer algunos instrumentos, tararear o aprender algo de portugués, tendrá que ver quizás con las terminales sensoriales que alcance a estimular la combinación de sus ondas sonoras cuya producción (para los músicos) suele ser (dicen) la, o al menos, de las más complicadas (de hecho es bien sabido que en principio el jazz ya lo es). Estas terminales alcanzadas seguramente serán las que hagan que el pulso y la respiración coincidan con ellas mismas adquiriendo el ritmo que la acústicamente se nos propone

Quizás habrá gente que reconocerá esta combinación musical como aquella que le aburre o que mejor usa para dormir; no dudo que haya también quien, como yo, disfrute de la tranquilidad evocada y de la sensación de oleaje relajado y tropical que al mismo tiempo bossa logra producir.

He aquí una versión de Joao Gilberto y Caetano Veloso (conocido y re-conocido cantautor brasileño cuya voz, por cierto, me encanta) de aquella Chega de Saudade, comienzo de éste género tan importante y, por demás maravilloso.

Hoy por la tarde tuve oportunidad de coincidr en Horizonte (IMER,104.9) con un programa especial en el que se habló y se escuchó todo sobre bossa. Me enteré también que hay un grupo actualmente que rinde homenaje a este género y a sus personajes más importantes: Saravá (creado en el 2006 en la Ciudad de México)...ya los escuché en la red, ahora espero poder escucharlos en vivo.

Mario de Sá Carneiro, Manucure

2008-10-02T10:36:00.000-07:00

Se suicidó a los 26 años después de llevar una vida llena de altibajos emocionales. Quizás su desesperación, nerviosismo e impaciencia en la eterna búsqueda de una identidad en sí mismo, en alguien más o en "cualquier cosa de intermedio" lo llevaron a darse un tiro justo después de escribir O outro.
Fue íntimo de Fernando Pessoa y José Almada Negreiros, junto con ellos hizo la revista Orfeo, con la que entra el Modernismo en Portugal.
Comparto aquí uno de sus poemas, "Manucure", con el que por alguna extraña y misteriosa razón, esta loca se identifica. Es este un fragmento en español, la versión original en portugués pueden encontrarla en http://www.jayrus.art.br/Apostilas/LiteraturaPortuguesa/Modernismo/Mario_de_Sa_Carneiro_Manucure_completa.htm. Disfruten

En la sensación de estar puliendo mis uñas,
Súbita sensación inexplicable de ternura,
Todo está incluido en mi - piadosamente.
Mientras tanto estoy aquí solo en el café:
De mañana, como siempre, en bostezos amarillos.
De vuelta, las mesas apenas - ingratas
Y duras, esquinadas en su desgracia
Bocal, cuadrangular y libre pensadora...
Afuera; día de Mayo en luz
El sol - día brutal, provinciano y democrático
Que mis ojos delicados, refinados, erguidos y citadinos
No pueden tolerar - y apenas forzados
Soportan las náuseas. Toda mi sensibilidad
Se ofende con este día que tendrá rapsodas
Entre los amigos con quienes transito a veces -
Morenos, naturales, de bigotes generosos -
Que escriben, pero tienen partido político
Y asisten a congresos republicanos,
Van a las mujeres, gustan de vino tinto,
De puerros o de sardinas fritas...
Y yo siempre con la sensación de pulir mis uñas
Y de pintarlas con un barniz parisiense,
Me voy enterneciendo más y más
Hasta llorar por mi mismo...
Mil colores en el Aire, mil vibraciones palpitantes,
Brumosos planos torcidos,
Abatiendo flechas, volúmenes listos, discos flexibles,
Llegan tenuamente a perfilarme
Toda la ternura que pudiera haber sentido,
Todos los escenarios a los que fui penetrando...
Es como, poco a poco, se me encauza
La obsesión débil de una sonrisa
Que espejos vagos reflejaron...
Leve inflexión a torturar...
Fino escalofrio cristalizado...
Dislocamiento inalcanzable...
Véloz chispa atmosférica...

Y todo, todo así me ha conducido en el espacio
Por innumerables intersecciones de planos
Múltiples, libres, resbaladizos.

Es allí, en el gran Espejo de fantasmas
Donde ondula y borbotea todo mi pasado,
Se desmorona mi presente,
Y mi futuro ya es polvo... "
(Poemas dispersos,1915)

Group Sex Relief

2008-09-26T13:19:00.000-07:00

Una persona, de las que más tengo -por fortuna- en estima, me mostró en una mañana cafetera, esta imagen de una escultura que se encuentra al sur de Alemania, en Bodman-Ludwigshafen. El artista se llama Peter Lenk y nombró a su obra "Group-sex relief" (¿Grupo sexual en relieve?). Se trata de un tríptico cuyo nombre completo es "Ludwig's Legacy", que presenta a varios políticos alemanes en la historia, y en la parte lateral izquierda y superior de la obra, reúne a cinco personajes de la política actual alemana sosteniendo la leyenda "Global Players"; éstos son de izquierda a derecha: Hans Eichel (antiguo ministro de finanzas), Gerhard Schröder (antiguo ministro de Hacienda), Angela Merkel (actual ministro de Hacienda), Edmund Stoiber (antiguo gobernador de Bravaria), y Guido Westerwelle (líder de los Demócratas Libres).
La obra se ha convertido en una real controversia por lo explícita que es, al punto en que la han tachado de pornográfica; sin embargo, a ello Lenk dice que: "Cuando se trata de los privilegios de aquellos políticos y de tomar el dinero de los bolsillos de los ciudadanos, nadie dice nada. La política es mucho más pornográfica que cualquier manifestación artística"
¿Cómo se verían los nuestros en una escultura como esta? Mejor ni imaginarlo, con lo que tenemos es suficiente...
Por cierto, la información completa la obtuve del Spiegel (spiegel.de)

Letra de cualquier mujer

2008-09-25T21:12:00.000-07:00

Es la enorme pena de hoy saber que sí te quiero… y que también lo quise a él. Hay algo que se acerca a mis tiempos impacientes, melodramáticos: se trenzan mis dos vidas y las vidas trenzadas de cada una de ellas en donde todos somos enemigos, cómplices y compañeros de casi el mismo dolor; y aún aquí estoy, soplándole al otoño ese ligero aire fresco que se combina con una tarde soleada, y echando cada reclamo a la sola piel, capaz de recordarme lo que fui, lo que soy y todo de lo que quisiera arrepentirme y, sin embargo, no lo hago.
Éramos felices. ¿Éramos? Éramos. Ayer me tropecé con la fortuna de haber “perdido” ese plástico que asegura guardar dinero, y en tanto, recordaba si tantas veces te dije cuánto lo odio. -Por fin logré deshacerme de él-. Ayer me tropecé con una segunda fortuna: regresar tres veces a la estación de gas, y volver a detestar contigo–sintigo– el andar en auto dados sus pormenores no mínimos. Embargo y José Saramago.
Y, sin embargo, el plástico volvió –después de breves horas– y el auto no está muerto –decidió abandonar el estúpido juego de sentirse con vida–. Y, sin embargo, aún dependo de todas esas cosas que me hacen sentir víctima de mis propias fobias: no he podido deshacerme del consumismo que mi madre me dejó heredado, ni de la falsa Compañía que me hace “sentir” que estoy tan lejos de alguna de mis soledades.
Ayer me tocó el otoño, hoy comienza ya a abrazarme, me traga, me devora y convierte todo en la sucesión de memorias que hacen que vuelva a vivir lo vivido. Déjà vú. Hoy vuelves a mi pensamiento y sé que sí te quiero... Pero también lo quiero a él(los). Y me alegro si sé que estás con alguien más. ¿Lo hago?, ¿lo haré? Y me alegro del pesar de saber que te has ido siempre de mí; mi vaga circunstancia “polifacética” y lastimosa, me permite seguir viviendo y no pienso alejarme de ella. La incomprensión de estas y aquellas nuestras propias circunstancias nos hizo mal y sin embargo, con dolor que no con tristeza, lo recuerdo todo así y nada nunca se me perderá en este oscuro (a veces luminoso) lugar.
Estos días no volverán a ser los mismos: no pasarán inadvertidos ni pretenderé saber si serán felices; se convirtieron en empalmes de recuerdos que complican mi capacidad semi-lúcida del pensamiento. En otoño de alguna de mis vidas, entré al camino en que hoy estoy. En El intenso Otoño vendí mi libertad por un poco de calor; después, en otro otoño, en vano intenté recuperarla con aquella parte de tu oferta y, sin embargo mi vida sigue andando en donde me quiero y en donde después de todo, estoy mucho mejor.
Decidiré ser indiferente a tu felicidad o siquiera a tu estabilidad emocional, mientras sigo dependiendo de las cosas que quisiera aborrecer y que me hacen sentir tan bien, esas de las que San Nicolás estaría gustoso de alejarme –aunque no lo lograse jamás–... Aún no.
En la Compañía no me siento sola, pues soy todas las mujeres de todos los hombres… y lo demás, también.
Hari

Un Tutor

2008-09-22T15:41:00.000-07:00

Son doce las horas que lleva de vida el día, y más de doce las que pasan Juan y Lorenza huérfanos de Padre y Madre; medio cobijándose con los rayos del sol que se han escapado a la astucia de papá al construir el techo (o quizás es por el tiempo que lleva construido), comiendo lo poco que les queda de uñas, de dedos con uña, y de trozos de pan o tortilla para calmar de alguna manera el hambre que luego se adormecerá más cuando mamá llegue con las obleas y alegrías que le sobraron en la jornada, por ahí de las ocho de la noche; unas horas (pocas o muchas) antes de que papá llegue “en su vino”; otras tantas antes de que los gritos acerquen más y más a los chiquillos a mí.
Ya sé que esta gente está necesitada y que no debería de meterme Yo en sus asuntos; pero, ¿qué podemos hacer? Me parece que está de más decir que me gustan los retos; porque podría parecer que esta Lorenza hermana y Juan el suyo, ambos hijos de Julia y Manuel (y éstos, marido y mujer desde los dieciséis), jamás me concebirían dentro o como guía espiritual de sus vidas; pero eso es lo que me gusta de lo que hago, demostrar que se puede conseguir lo aparentemente imposible, y que lo más sencillo puede nunca ser encontrado. Así es en estos casos, en todos lados.
Y así pasa todo el día Julia, extendiendo la mano con el niño en su regazo: el rentado o prestado, claro. Porque Juanito y Lorencita ya están bastante grandecitos, ellos ya caminan. No, para vender lástima a un automovilista es necesario tener a un niño en brazos o en la espalda. No importa si una ya tiene sesenta, la venta es la venta y sin ella no hay pan en la mesa; o en la cama, la silla, piedra, suelo; o en la nada…pero la situación no puede ser manejada por Julia, ni acercarse un poco a lo que podría ser el antojo de ésta; porque recibió la debida educación, la necesaria para sobrevivir…para sobrevivir en un mundo miserable: Regla número uno: respeta al hombre, y a tu marido en especial, por sobre todas las cosas. Es él el sustento de tu familia (y claro, pues sin su “debida aportación” diaria, ésta no existiría). Acata sus órdenes, pues tiene el poder (y lo tiene), la fuerza (también) y la gloria (a veces). Es él todopoderoso (y si no lo fuera, no haría todo lo que hace); tú, Julia, tienes que seguir dándole con las obleas, las alegrías (y las tristezas y los enojos) y el chamaco en brazos; pero no debes olvidar el alimento de Manuel (aunque no estés y cada cuando se pueda); de hacer el “aseo” (si se puede), cuidar a tus hijos: hacer, deshacer volver sin comer ni dormir, y sólo tal vez: Descansa (¿Será verdad?)
¿Y Manuel?, quién sabe, por eso sigo aquí. ¿Y los niños? Juegan, claro, son sólo niños. Sí, pero ellos ya se van acercando más a mí, y eso nadie lo ve. Ellos también tienen que salir a las calles a ver qué consiguen de vez-en-cuando con esas gentes que se pasean en sus autos (quizás un dulce), o incluso con las que van caminando.
Lorenza, siete años. Una trenza mal hecha es lo que debe de llevar por peinado. Y su piel, su piel sucia igual al harapo por vestido que lleva puesto.
Juan, cinco. Tuvo que ser el último pues su madre ya no pudo tener más hijos gracias al propio organismo, que no al de Manuel. Juan, se va divirtiendo y trabajando al mismo tiempo. Él, como su hermana, también comienza a cuestionarse su estancia en ese Estado, en ese estado estupefacto. “Vengan conmigo” “Dejad que los niños se acerquen a mi porque de ellos es el reino de los cielos”… ¿de cuál de todos?, já, já. Sí, mejor “dejad” que se acerquen a mí que estoy más cerca de ellos que ese cielo “prometido”, pues como ellos, también me deslizo entre la tierra. Tenemos más por compartir.
No me preocupo, todo sigue su curso y ellos siguen el mío. Y en las noches embriagadas de gemidos y circos de gritos, los niños siguen viniendo a mí. Pronto crecerán y se sentirán más hijos míos que de sus padres, de esos que los han abandonado y olvidado.
Porque Juan y Lorenza son huérfanos más de doce horas al día. Porque más de doce horas diarias, son huérfanos de Padre y Madre. No tienen de qué afligirse niños, Yo seré su tutor.

Le coup du Berger. Jacques Rivette, 1956

2008-09-16T09:56:00.000-07:00

En el ajedrez, dos personas se enfrentan y se valen de 16 piezas (trebejos) cada uno. Este juego es asemejado con la vida misma pues plantea la necesidad de crear estrategias todo el tiempo y observar al contrincante sin mostrar ningún tipo de emoción para que éste no descubra sus intenciones. Para llevar el juego, existen una serie de jugadas predeterminadas que deben conocerse; una de ellas y de las más sencillas es el Jaque al pastor (Le coup du berger), que es una jugada típica de ajedrez en la que se hace jaque en cuatro movimientos, y de la cual se dice que el oponente puede fácilmente defenderse a menos que sea principiante.
En la vida, a veces nos enfrentamos a quienes nos rodean, pero en general, siempre el conflicto es con nosotros mismos. Las estrategias que debemos aprender, nos ayudan a encontrar equilibrio y control sobre situaciones difíciles o complicadas, se trata del mismo esquema de juego.
En Le coup du berger (Jaque al pastor) se lleva al límite la semejanza entre una partida (de tablero) y otra (de la vida). Claire (Virginie Vitry), vive una vida matrimonial con Jean (Jacques Doniol-Valcroze) que la hace tener un amante, Claude (Jean-Claude Brialy). Parece ser que llevan ya un tiempo jugando de esa manera hasta que Claude hace un regalo a Claire que ella no puede llevar a casa porque su marido se daría cuenta o sospecharía de lo que está sucediendo con su matrimonio; así que los amantes buscan y encuentran la “estrategia perfecta” para poder engañar al marido sin que se dé cuenta, pero resulta que Claire descubre, también sin darse cuenta y sin proponérselo, que la engañada es ella.
Lo mejor de este pequeño corto, es que nos va llevando por una trama cuyo final no logramos vislumbrar hasta que intempestivamente nos percatamos de que en esta obra encaja bien el dicho famoso de “ladrón que roba ladrón…”. Encuentro que la estructura narrativa de este cortometraje de 1956, se podría ajustar perfectamente a lo que en literatura tenemos como “minificción”; se trata de un breve relato que introduce al espectador a las circunstancias de los personajes: inmediatamente nos damos cuenta de que se trata de un matrimonio en el que ninguno de los dos se preocupa por el otro, hay una especie de monotonía que es evidente cuando Jean está leyendo el periódico y habla (e incluso se despide) a la mujer sin mirarla, y ella sin ningún problema le miente al salir a buscar a Claude. Luego nos plantea un problema: el regalo que no puede llevar Claire a casa tan fácilmente; ante ello, los personajes nos ofrecen una solución y sentimos que tenemos control sobre la historia hasta donde va, hasta que nos asalta una primera “desilusión” narrativa: el regalo ha sido cambiado. En este momento, como espectadores nos sentimos desamparados, no tenemos idea ya hacia dónde se dirige la historia, ni siquiera sabemos si se aproxima el final y pensamos que, de ser así, debe ser fatal. Es entonces cuando nos damos cuenta de que la solución al problema de la primer desilusión narrativa, ya nos la había mostrado el director antes incluso de ésta, y la convierte en una segunda desilusión.
La respuesta nos cae como bandeja de agua helada y sentimos que de nuevo tenemos poder sobre la historia… “Claro, no podía ser de otra manera” y nos llenamos de unas ganas tremendas de soltar una carcajada. Esa es la vida. La solución estaba frente a nosotros pero no pudimos verla porque nos faltaban algunos elementos. Claire no podía saberlo porque no había observado lo suficiente a Jean, y por ello mismo no planeó bien su estrategia; de esta manera cayó, sin darse cuenta y sin poderse defender, en el Jaque al pastor.
Pienso que si hubiera más producción de este tipo, el mundo viviría menos en la miseria.

Persona. Ingmar Bergman

2008-09-13T11:39:00.000-07:00

Éramos dos mujeres en la misma cabeza.
No cabíamos las dos en el mismo lugar: Tuve que matar a la otra.

Aunque a veces parezca lo contrario, dejamos la Edad Media ya hace algún tiempo como para pensar o creer que la realidad única es la que se hace perceptible a nuestros limitados “cinco sentidos” ya que éstos suelen ser tan inmediatos que consiguen engañar nuestra conciencia (esto ya por demás dicho y repetido infinidad de veces). Entonces estaremos de acuerdo en que la ley física que impide que dos cuerpos puedan estar en el mismo lugar va más allá de nuestra vista, olfato, oído, gusto o tacto; y, sin embargo, aún aquí cabe la superposición de las cosas, unas con otras. ¿Qué decir del comensal que percibe primero el aroma de lo que se cocina de lejos y puede llegar a identificar, a lo menos, dos ingredientes?, o ¿cuando comienza a degustar el vino y percibe distintos sabores?; ¿qué cuando admiramos el paisaje o cuando escuchamos una sinfonía e identificamos varios de los instrumentos y la función que cumplen en la obra como un todo?
Bien, aún no me arrepiento de lo escrito: hablé de la superposición de sensaciones: una sobre la otra, mas no una en el mismo y exacto lugar que el de la otra; y si, aunado a ello, volvemos a nuestras suposiciones no-medievales y a la idea de que la realidad no sólo es perceptible por los cinco sentidos, llegaremos al punto – o al menos eso espero – en que somos conscientes de que existen “cosas” que no percibimos en una inmediatez quincuasensorial y que, sin embargo existen en o fuera de nosotros. Estas “cosas” como las “otras” pueden superponerse, mas no ocupar el mismo espacio.
En la precepción primero, y en la observación después, de lo-que-sea, admitimos que podemos enfrentarnos a una simultaneidad de eventos y/o elementos, pero somos incapaces de convertirlos todos en prioridad y entonces la(s) cosa (s) observada(s) lucha(n) por imponerse ante el resto del “grupo” de observación. Hemos llegado a la confrontación: en la sinfonía, un violín lucha con el resto de los instrumentos y consigue priorizarse en nuestra atención, sin embargo el piano sigue luchando hasta que saca del lugar al violín de antes. En el perfume, quizás sea un cítrico el dominante; en la comida, tal vez una hierba y en el paisaje puede que lo sea el campo, un árbol, la nube, el edificio o el cielo completo. Y siguen en continua lucha. Lo que el arte consigue en estos casos es hacer tan evidente o sutil la diferencia en el enfrentamiento, que se hace casi imperceptible por los sentidos humanos (por ser inmediatos); y, sin embargo, continúa enmascarando realidades con otras mismas hasta que el intelecto descubre las posibilidades, aunque “la desatención ocular resulta análoga al descuido que lleva al intelecto a no tomar en cuenta consideraciones excesivas y palpablemente evidentes” .
Máscara, era en griego atribuido al término prósopon y luego éste pasó al latín como persona, persona. De esto podemos decir que la persona tiene máscaras o que la máscara encierra a una (o más) persona(s). El problema de ello es que –regresando al inicio– dos cosas no pueden ocupar exactamente el mismo espacio y de esta manera, luchan entre sí por eso, y las “cosas” que no están en una realidad externa perceptible sino interna y expresiva, sufren la misma ley. El ser humano entonces, se enfrenta a la única verdad a la que puede tener entero acceso, posee distintas personalidades y éstas luchan entre sí por hacerse valer como tales en distintas situaciones, momentos, lugares…
Per. Sona. Por el sonido. Persona la que habla, persona la que siente, persona que se esconde y que se escapa. Persona (Manniskoätarna) la que “dice esto y todo lo demás”, es una obra cinematográfica, quizás una de las más importantes, del recientemente fallecido (14 de julio de 1918-30 de julio de 2007) Ingmar Bergman. Un amigo cinéfilo y cuyo negocio es un cineclub de arte (Film Club Café), comentaba en la presentación de la película, que la historia de su creación tiene mucho que ver con la vida del autor y que al mismo tiempo la misma película definió a manera de reflejo de espejo. La famosa pregunta del huevo-gallina traspasada a la vida diaria: ¿qué es primero, la realidad o la ficción?; ¿quién determina a quién?
Bergman estaba casado con Bibi Andersson y conoció a una de sus amigas actrices, Liv Ullmann. Quedó impresionado por el parecido tan grande que entre las dos mujeres había, así que pensó que podía tratarse de una especie de simbiosis; de esta manera le viene la idea de Persona en donde pide a ambas que participen en ella. Alma (Bibi) sería una enfermera reprimida y frustrada por una parte de su pasado y por el futuro que debía cumplir como buena dama se sociedad que era, y que su madre le había heredado; mientras que Elizabeth (Liv), una actriz de renombre tiene un ataque de risa y luego de silencio absoluto mientras interpreta Electra. Ambas mujeres se retiran a una casa de playa para que Elizabeth pueda recuperar el habla que ella misma se prohibió.
A lo largo de la película, como espectadores nos vamos dando cuenta de que, es cierto que como primera impresión se nos presenta a dos mujeres completamente diferentes: una es enfermera y la otra está enferma; una tiene el cabello corto y rubio (Alma) y la otra lo tiene largo y tiene a ser más oscuro (Elizabeth); los rasgos de Alma son finos mientras que los de Elizabeth tienden a lo voluptuoso; una está en completo silencio y la otra tiene que ser la única que habla. Sin embargo, a pesar de estas diferencias que parece que las alejan, y que en realidad las complementan, nos damos cuenta de que se trata de dos personalidades muy parecidas: ambas están inconformes consigo mismas, ambas rechazaron a un hijo y sobre todo, no pueden estar una sin la otra. Las posibilidades que se nos presentan como dos únicas en dos distintas personas, nos demuestran que en realidad se trata de una persona con dos posibilidades que luchan entre sí.
Es por eso quizás que a veces conseguimos identificarnos inmediatamente con cierta gente, tal vez como efecto derivado surja de esta manera el amor. ¿Narcisismo? Quizás. El hecho irremediable es que no podemos dejar de sentir compasión por nosotros mismos, por nuestros defectos y errores y así buscamos querer a alguien que, enmascaradamente, también los padezca.
¿Dos personas?, ¿se trata de dos mujeres en la misma película? Más bien se trata de dos mujeres en la misma cabeza (de Ingmar) que en la película se muestran como dos mujeres en la misma cabeza (de una sola mujer). De esto nos podemos dar cuenta por la manera en que comienza la obra: es un niño acostado, al parecer en un hospital, que se despierta por una llamada telefónica. Hace algunos movimientos y luego se levanta de la cama y se acerca a una pantalla cuya única proyección es el rostro (prósopon de una mujer ¿o dos?) Parecen ser dos y es una, y al mismo tiempo parece ser una y en realidad son dos. Pero, al final, “no hay espacio para las dos en el mismo pueblo”, así que una tiene que morir: en la película, en la mente del personaje de la película, o en la mente del personaje del director.
En la película, nadie muere, simplemente Elizabeth desaparece de nuestra pantalla después de un largo conflicto con Alma (aima) en el que además el director osa poner en el cuadro, la mitad del rostro de una y la mitad del de la otra en la repetición de un diálogo a manera de déjà vú. En el personaje, se podría decir que una parte logra superponerse a la otra consiguiendo, si no desaparecerla, reprimirla profundamente; y en Ingmar, muere Bibi y vive Liv: se separa de aquélla y termina casado con ésta.

“…Pero tú llevas también, Sabor a mí…”
Al final vuelve un collage de imágenes y escenas que se nos habían presentado al principio (además de la parte en que aparece el niño y la pantalla): una escena con un hombre en pijama y un disfrazado de muerte, un cordero, un madero y las manos de Cristo siendo clavadas a él; una cinta de film que se rompe, y nuestro director dirigiendo la película. Es la ruptura de la ficción que irrumpe en la realidad, y esto es harina de casi otro costal pero, de cualquier forma evidencia que es cierto que hay dos personalidades en la mujer (en un ser humano, animal e incluso en las cosas), pero una tiene ya sabor a la otra. y viceversa. Lo mismo sucede con la película y con la realidad extraficticia del director: La obra lleva sabor a realidad y la realidad lleva sabor a la obra. No se niega la presencia en el vivir: Liv y Bibi llevaban parte una de la otra… sabor a dos mujeres que además comparten algo: la cabeza de un mismo hombre.

Después de 25 años sin Buñuel

2008-07-29T00:00:00.000-07:00

Luis Buñuel, "El maestro de Calanda" cumple hoy veinticinco años de haber muerto; es por ello que hoy presentamos su filmografía más importante para que haya quien se atreva a descubrirla.

"Un perro andaluz" (1929)

"La edad de Oro" (1930)

"Los Olvidados" (1950)

"Nazarín" (1959), palma de Oro en Cannes

"El ángel exterminador" (1962)

"Viridiana" (1961)

"Viridiana" (1962), palma de Oro de Cannes

"Belle de Jour" (1966), León de Oro de Venecia

"La vía láctea" (1968)

"El discreto encanto de la burguesía" (1972), Óscar a la mejor película extranjera

"El fantasma de la libertad" (1974)

"Ese oscuro objeto del deseo" (1977)

2008-07-14T15:23:00.000-07:00

LA vejez es una máscara:
Si te la quitas, descubres
El rostro infantil del alma.
La niñez te va siguiendo
Durante toda la vida.
Pero ella va más despacio
Y tú andas siempre de prisa.
Cuando la vejez te llega,
No es que vuelves a la infancia,
Es que moderas el paso
Y al fin la niñez te alcanza.

José Bargamín

Poemas

Lenica Jan. Pologne, theatre et societé

2008-06-30T18:58:00.000-07:00

2008-06-27T08:43:00.000-07:00

2008-06-06T17:43:00.000-07:00

H.
Te descubro buscándome. No sé quién eres, si quiera si de verdad existes; pero sé que me has buscado.
Y yo, sólo cuento las miradas que me observan.
Ya liubiu tibiá. Creo que te encontré en una pintura, cuando yo también lo era. Mirándome desde esa puerta.
Nuestro padre fue Amedeo: él nos creó y sólo él podría vernos morir.